Abschlussbericht 63. Filmfestival Locarno

in Arbeit

Monsters (Kino Review)

Monsters

Monsters wurde im Rahmen des 63. Filmfestival Locarno gezeigt.

Inhalt:

Vor sechs Jahren: Nachdem in unserem Sonnensystem ausserirdisches Leben entdeckt wurde, schickt die NASA eine Sonde aus, dieses zu erforschen. Unter mysteriösen Umständen stürzt die Sonde bei der Rückkehr über Zentralamerika ab. Wenig später beginnen in dem Gebiet seltsame Lebensformen aufzutreten. Heute: Die "infizierte Zone" erstreckt sich mittlerweile über halb Mexiko, welches unter strenger Quarantäne steht. Die vereinigten Staaten haben an ihrer Südgrenze eine grosse Mauer errichtet, um die Aliens draussen zu halten.
In diesem bürgerkriegsähnlichen Chaos bekommt der Journalist Andrew (Scoot McNairy) den Auftrag, die Tochter seines Chefs (Whitney Able) sicher nach Hause zu bringen. Doch als sie die letzte Fähre verpassen, treffen sie die waghalsige Entscheidung, es auf dem Landweg nach Norden zu wagen. Andrew heuert eine handvoll Söldner an, die sie als Geleitschutz durch den dichten Dschungel führen sollen. Doch reicht das gegen die unbekannte Gefahr, die dort lauert?

Kritik:

Beschäftigt man sich mit Monsters, kommt man nicht umhin, sich mit dessen aussergewöhnlicher Produktionsgeschichte auseinanderzusetzen. Sein Spielfilmdebüt hat Gareth Edwards nämlich für läppische 20'000 Dollar und praktisch im Alleingang auf die Beine gestellt. Ohne Drehgenehmigung, ohne genaues Drehbuch und vor allem ohne richtige Crew hat er sich mit seinen beiden Hauptdarstellern und einem gewöhnlichen Camcorder auf eine Reise durch Mexiko gemacht und gefilmt, wo es eben gerade ging. Danach hat er nicht nur das dabei gesammelte Material mühsam zu einem eineinhalbstündigen Spielfilm zusammengeschnitten, er hat auch sämtliche Visual Effects am Heimcomputer selbst erstellt. Das Resultat: Monsters ist nicht weniger als die wohl bis dato beeindruckendste Behind-the-Cameras-One-Man-Show überhaupt.

Thematisch erinnert der Film stark an District 9, auch wenn Edwards bereits mitten in den Dreharbeiten war, als Neil Blomkamps Überraschungshit anlief. Dennoch unterscheidet sich die Herangehensweise der beiden Filme schlussendlich deutlich: Während District 9 je länger desto mehr sprichwörtlich zu einem Action-Kracher mutiert, täuscht bei Monsters der Eindruck eines actionreichen Science-Fiction-Thrillers, welcher vom Trailer nahegelegt ist. Treffender ist es, den Film als Drama mit sowohl schauerlichen als auch romantischen Elementen zu charakterisieren. So nennt Edwards auch Lost in Translation als einer seiner Hauptinspirationspunkte.

Wirklich viel Handlung hat Monsters tatsächlich nicht zu bieten. Im Zentrum steht viel mehr das Seherlebnis, welches einen die Welt unmittelbar durch die Augen der Protagonisten erfahren lässt. Dank deren frischem, häufig improvisierten Spiel und der dokumentarischen Kameraführung hat man das Gefühl, wirklich dabei zu sein und das Geschehen hautnah zu erleben. In seinem Anspruch, die Geschichte möglichtst realitätsnah zu erzählen, weckt Monsters somit spannende Assoziationen mit den Dogma-Filmen. Nebenbei wird überaus geschickt durch Anspielungen auf aktuelle politische Debatten eine gewisse Tiefgründigkeit geschaffen. So wird das Einwanderungsproblem der USA, aber etwa auch die moralische Fragwürdigkeit von Kriegsreportagen angesprochen. Dies nimmt aber nicht ansatzweise die Dimension der Apartheid-Analogie des erwähnten District 9 an, und doch hilft es Monsters, dem Zuschauer die Konflikte vertraut und realitätsnah erscheinen zu lassen.

Schade nur, dass der Film das Interesse des Zuschauers nicht über die ganze Zeit aufrechterhalten kann und am Ende ein grosses Finale vermissen lässt. Spätestens hier macht sich wieder das begrenzte, beziehungsweise schlicht nicht vorhandene Budget bemerkbar. Dennoch ist Monsters ein reiner Triumph: Ohne vergleichbare Mittel hat Edwards einen Film geschaffen, der Millionenprodukten aus Hollywood in Sachen Kreativität und Innovationslust locker das Wasser reichen kann. Wir sind gespannt darauf, was dieser Mann zustande bringt, wenn er dann einmal auch etwas Geld zur Verfügung hat.

aufgerundet ca. 8 von 10 Punkten

Saç (Kino Review)

Saç

Saç wurde im Rahmen des 63. Filmfestival Locarno gezeigt.

Inhalt:

Den ganzen Tag lang steht Hamdi (Ayberk Pekcan) in seinem Laden in einem schäbigen Viertel Instanbuls. Im ganzen Raum stehen Büsten auf Regalen an den Wänden: Hamdi verkauft Perücken. Er selbst redet kaum, raucht die ganze Zeit und ist sehr einsam. Lange zu leben hat er nicht mehr - er hat Krebs - und würde vor seinem Tod höchstens mal gerne nach Brasilien gehen, das er von einer Werbetafel vor seinem Laden kennt.
Eines Tages kommt Meryem (Nazan Kesal) zu ihm in den Laden und möchte ihm ihr Haar verkaufen. Als sie ihr Kopftuch löst, staunt Hamdi nicht schlecht: Ihr schwarzes Haar reicht bis über die Hüfte hinab. Langsam schneidet es Hamdi ab. Als Meryem seinen Laden verlässt, folgt er ihr heimlich. Es stellt sich heraus, dass sie in einem Einkaufszentrum arbeitet und ein distanziertes Verhältnis zu ihrem Mann (Riza Akin) hat. Hamdi kann nicht mehr von ihr ablassen und folgt Meryem Tag und Nacht. Die Situation wird immer bizarrer.

Kritik:

Saç ist der vierte Spielfilm des Türken Tayfun Pirselimoglu, der sowohl Regie führte als auch das Drehbuch schrieb. Dass er zuvor in Wien Malerei studiert hatte, merkt man auch seinem neusten Werk an. Schliesslich glänzt Saç in erster Linie durch seine Bilder, die allesamt perfekt komponiert, aufwändig ausgeleuchtet und mit gezielter Symbolik angereichert sind. Mit seiner eindringlichen Bildsprache gelingt es Pirselimoglu, ein Istanbul voller Melancholie und Einsamkeit darzustellen. Die Figuren kehren immer wieder an die selben verlassenen Orte zurück und auch gewisse Einstellungen kommen immer wieder. Dabei wird das Geschehen sehr statisch inszeniert, und folgerichtig bewegt sich auch die Kamera kaum.

Nicht genug, dass sich die Figuren im ganzen Film sehr langsam und bedächtig bewegen, sie reden auch kaum. Wenn dann mal ein Dialog stattfindet, ist er knapp und aufs Notwendige beschränkt. Vielmehr scheinen die Figuren über Blicke zu kommunizieren, während ihre Körper wie festgefahren zwischen den Mauern und Wänden wirken. Umso unerwarteter kommt der kurze Gewaltausbruch am Ende. Über das Innenleben der Protagonisten erfahren wir aber sogar in dieser Szene kaum etwas, beziehungsweise können nur durch Andeutungen darauf schliessen. Generell bleibt es im Dunkeln, was denn nun Hamdis Plan ist oder ob er überhaupt einen hat. Geradezu schwebend bewegt er sich durch die Stadt, wobei sein Laden und der Blick aus dem Fenster den Ausgangspunkt markiert.

Möglicherweise stellt das immer wiederkehrende Bild von Hamdi, wie er allein in einem Raum voller "toter", ihn anstarrender Köpfe steht, eine Metapher für Isolation des Einzelnen in der modernen türkischen Gesellschaft dar. Denn egal, ob sich die Figuren zuhause im dunklen Wohnzimmer oder im Bus voller Leute befinden, sie sind stets einsam und isoliert. Dabei betont Pirselimoglu den Kontrast zwischen dem modernen, schnellen Stadtleben und der langsamen, islamischen Tradition. Auf visueller Ebene ist das geschickt dargestellt, indem man etwa einmal in einem verlassenen, kargen Dorf im Hintergrund die Autobahn vorbeidonnern sieht.

Alles schön und gut, ändert aber nichts daran, dass sich der Film dahinschleppt. Es geschieht einfach zu wenig. Pirselimoglu nimmt sich viel Zeit für die Entwicklung der Handlung, ohne dem Zuschauer wirklich einen Grund zu geben, mit Hamdi mitzufühlen. Erst gegen Ende kommt etwas Dynamik in die Sache, und der Schluss fällt sowohl extrem bizarr als auch ziemlich unbefriedigend aus.

Saç ist toll fotographiert, aber höchstens für Arthouse-Fans wirklich interessant. Ein richtiger Festivalfilm eben.

ca. 6 von 10 Punkten